Esperando a que pique


Por una renovación del vínculo
por Ximena Biosca



Este segundo año encuentra a esta multipremiada obra de Javier Zain, ganadora del premio ATINA a la mejor labor teatral del 2010, en un espacio más pequeño que en su primera temporada estrenada en el teatro "El Cubo".
En este sentido "El Piccolino", su espacio actual, le calza perfecto a esta obra minimalista en donde menos es más. La versátil escenografía y utilería se aprecia mejor en este espacio, no se pierden los detalles de este trabajo tan laborioso. Lo mismo sucede con la iluminación y los efectos de sonido, que junto con la música son centrales en esta propuesta. El espacio chiquito les da otra magnitud.
El otro gran aporte de esta temporada es la incorporación de Alejandro Talarico en el personaje de Pedro, que encuentra en gags y guiños con  Pascual (Javier Zain) un contrapunto ideal. Así, Pascual se hace más tierno y Pedro más alocado y le otorgan nuevas dimensiones a este dúo. Un buen "refresh" para esta hermosa puesta, más que recomendable, que nos da la oportunidad de volver a apreciarla.


Esperando a que pique. Libro y dirección: Javier Zain. Música: Esteban Rozenszain. Intérpretes: Javier Zain y Alejandro Talarico. Sábados 17hs Teatro El Piccolino, Fitz Roy 2056 / 4779-0353 / teatro@elpiccolino.com.ar. Localidades $35.-
http://www.esperandoaquepique.blogspot.com/

Esperando a que pique Temporada 2010

Premios ATINA 2010

La Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (ATINA) premió a las labores más destacadas de la producción de teatro infantil y juvenil. Javier Zain recibió el premio mayor de la noche.

Premiar las labores más destacadas del teatro infantil y juvenil. Con ese objetivo, el 28 de marzo se reunieron en el Teatro La Comedia los directores, escritores, músicos, actores, titiriteros, hacedores del teatro para chicos en nuestro país. Estaba previsto que en la 5ta edición de los Premios ATINA se celebrara el Día Mundial del Teatro para Niños, pero lo imprevisto tomó protagonismo, en forma de homenaje al maestro Hugo Midón, a quien se dirigieron muchas de las palabras de los ganadores.

Los miembros de ATINA destacaron en esta oportunidad a Carlos Martínez y al grupo Libertablas por sus trayectorias. También se distinguió, por su contribución a la difusión del teatro para niños y jóvenes, a Crítica Teatral y a Patricia Lanatta, por su aporte a la investigación teatral. El premio especial del jurado a "la labor más destacada del año" fue para Javier Zain.

Los premios ATINA abarcan todos los rubros de la producción teatral, diferenciándose por evitar la selección de un único ganador, al considerar que no existe un "mejor" sino que en el año son varios los trabajos que se destacan en cada rubro, "siendo artificial y arbitraria la ponderación de uno sobre los demás".



Los destacados por rubro:


Espectáculos:

Esperando a que pique
(Libro y dirección: Javier Zain)
Una gaviota afortunada (Dir: Mabel Marrone, por el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín)
Los fabulosos Grimm (Dir. General: Gustavo Monje y Giselle Pessacq)


Intérprete masculino:

Gustavo Monje
(Los fabulosos Grimm)
Javier Zain (Esperando a que pique)
Claudio Provenzano (Corazón de boxeador)
Gabriel Cohan (Esperando a que pique)


Intérprete femenina:

Giselle Pessacq (Los fabulosos Grimm)
Celeste Martínez (W. C. School)
Guillermina Calicchio (Malas palabras)


Dirección:

Carlos de Urquiza (Corazón de boxeador)
Javier Zain (Esperando a que pique)
Mabel Marrone (Una gaviota afortunada)


Dramaturgia:

Javier Zain (Esperando a que pique)
Silvina Reinaudi (Esto no es serio)
Perla Szuchmacher (Malas palabras)


Adaptación:

María Inés Falconi (Corazón de boxeador)
Mabel Marrone (Una gaviota afortunada)
Pablo Di Felice (Hamlet, milonguita entre fantasmas)


Música original:
Carlos Gianni (Esto no es serio)
Nicolás Villamil (Un pequeño gran mundo)
Adrián Murga y Leonardo Volpedo (Mate Dulce)


Diseño Escenográfico:

Diego Aramburo (La Librería)
Maydée Arigós (Una gaviota afortunada)
Gabriel Cohan y Analía Gaguín (Esperando a que pique)


Diseño de vestuario:

Alberto Mauri (Los fabulosos Grimm)
Mónica Toschi (Esto no es serio)
Florencia Pinochi (Esperando a que pique)
Diego Aramburo (La Librería)


Diseño de títeres y objetos:

Maydée Arigós (Una gaviota afortunada)
Gloria Díaz y Taller de Títeres Triángulo (El Molinete)
Gabriel Cohan y Analía Gaguín (Esperando a que pique)


Diseño de Iluminación:

Miguel Morales (Una gaviota afortunada)
Javier Zain (Esperando a que pique)
Omar Possemato (Esto no es serio)


Producción:

Javier Zain (Esperando a que pique)
Universidad Popular de Belgrano (W. C. School)
La Comedia de la Provincia de Córdoba (La Librería)


Coreografía:

Diego Bros (Esto no es serio / Tempo)
Vanesa García Millán (Los fabulosos Grimm)
Stella Guidi (Pa' chancletas y purretes)


Espectáculo extranjero:

Quijote, de la Cía. La espada de madera (Ecuador)


El jurado estuvo integrado por Mónica Berman, Nora Lía Sormani, Silvana Hernández, Patricia Lanatta, Lita Llagostera, Marisa Rojas, Susana Llahí, Melania Torres Williams y María de los Ángeles Cruz.

[via revista Planetario]

Día Mundial del Teatro


International Theatre Institute ITI
World Organization for the Performing Arts
UNESCO, 1 Rue Miollis, FR-75732 Paris Cedex 15 iti5@iti-worldwide.org / www.iti-worldwide.org

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2011

Un discurso a favor del Teatro como servicio a la humanidad

Por Jessica A. Kaahwa, Uganda.

La celebración de hoy es un reflejo fiel del inmenso potencial que posee el teatro para movilizar comunidades y tender puentes.

¿Han pensado alguna vez que el teatro podría ser una herramienta muy poderosa para la paz y la reconciliación? Mientras las naciones gastan colosales sumas de dinero en misiones de paz en zonas de conflictos bélicos por el mundo, se presta muy poca atención al teatro como alternativa personalizada para la gestión y transformación de conflictos. ¿Cómo pueden los ciudadanos de la madre tierra alcanzar la paz universal si los instrumentos que se emplean provienen de poderes externos y aparentemente represivos?

El teatro impregna sutilmente el alma humana presa del miedo y la desconfianza, alterando su propia imagen y abriendo un mundo de alternativas para el individuo y, por tanto, para la comunidad. Puede aportar significado a la realidad diaria mientras previene un futuro incierto. Puede participar en temáticas de política social de forma sencilla y directa. Al ser integrador, el teatro puede presentar experiencias capaces de transcender las ideas erróneas preconcebidas.

Además, el teatro es un medio probado de progreso y defensa de las ideas, que mantenemos y por las que estamos dispuestos a luchar cuando no se respetan, de forma colectiva.

Para anticipar un futuro de paz, debemos comenzar usando medios pacíficos que busquen comprender, respetar y reconocer las aportaciones de cada ser humano en la tarea de esta búsqueda de la paz. El teatro es ese lenguaje universal a través del cual podemos promover mensajes de paz y reconciliación.

Permitiendo a cada participante comprometerse activamente, el teatro puede hacer que muchos individuos deconstruyan ideas preconcebidas y, de esta forma, ofrece al individuo la oportunidad de renacer para tomar decisiones basadas en conocimientos y realidades redescubiertas. Para que el teatro crezca con fuerza, entre otras formas de arte, debemos dar un paso decidido hacia adelante incorporándolo en la vida diaria, abordando asuntos críticos de conflicto y paz.

En su búsqueda de transformación social y reforma de las comunidades, el teatro ya existe en áreas devastadas por la Guerra y entre poblaciones que sufren pobreza o enfermedad crónica. Hay un número creciente de historias donde el teatro ha sido capaz de movilizar con éxito audiencias para construir conciencia y para atender a víctimas de traumas de postguerra. Plataformas culturales como el “Instituto Internacional del Teatro” que tienen como objetivo “consolidar la paz y la amistad entre los pueblos” ya están en marcha.

Es por tanto una farsa mantenerse callados en momentos como el nuestro, conociendo el poder del teatro, y permitir a los que empuñan armas y lanzan bombas ser los pacificadores de nuestro mundo. ¿Cómo pueden estas herramientas de alienación ser también instrumentos de paz y reconciliación?

Os exhorto, en este Día Mundial del Teatro, a reflexionar sobre esta posibilidad y a proponer al teatro como herramienta universal de diálogo, transformación y reforma social. Mientras las Naciones Unidas gastan colosales cantidades de dinero en misiones de paz por todo el mundo, por medio del uso de las armas, el teatro es una alternativa espontánea, humana, menos costosa y de lejos, mucho más poderosa.

Si bien puede que no sea la única respuesta para conseguir la paz, el teatro debería ser incorporado sin duda como una herramienta eficaz en las misiones de paz.

Traducción: Proyecto ÑAQUE.

Lo que aprendí de él ....



por Ximena Biosca

Lo que aprendí de él…
es el regalo del universo interno
  • que las cosas están a la Vuelta de la Manzana.
  • que es hermoso cantar , pero es mejor Cantar sobre la Mesa,
  • que El Imaginario Infantil va desde los clásicos de Las Aventuras de Pinocho, un convencional pero diferente Gato con Botas, pasando por recreaciones peculiares de Popeye y Olivia.
  • Stan y Oliver pueden hacer muchas películas, porque siempre están ahí y aunque no lo puedas creer, recrearse en cualquier momento, reviviendo en una Trup sin Fin, con personajes entrañables: Pinocho, Chaplin y tantos
  • Con Narices descubrimos que después de tanta sombra por ahí, los payasos volvían para estar ahí y conseguir en democracia estar “sencillamente en el lugar”.
  • Con la inefable saga de Vivitos y Coleando, supimos sentirnos vivos, mirarnos otra vez y saber que “ir creciendo es ir ganando y perdiendo”
  • Reaprendimos con cada uno de los Objetos Maravillosos a jugar con papeleros, cucharitas y cajitas de bombones. Cada uno desde su lugar es capaz de “abrir ventanitas y cortinitas de par en par para poder ver un poquitito más allá”
  • Siempre hubo lugar para Familias Fernández, tan identificables, prototípicas y entrañables, en la que los secretos personales se vuelven universales.
  • Huesito Caracú vino a reivindicar cuestiones: las de la tierra y los orígenes y cantarnos las más crueles verdades con tanta gracia que lo patético se nos volvió desopilante
  • En El Salpicón donde la fantasía y la realidad se mezclaban, y comprobábamos lo bien que se llevan y que en el fondo en no saber cuál es cuál consiste la magia.
  • Hay Hoteles Oasis por todos lados en donde suenan  Graves y Agudos
  • Todo esto ahora se vuelve Locos Recuerdos….entrañables, legados

Lo que aprendí de él fue el derecho a la imaginación, con el sentí que tenía mi derecho representado en la platea del teatro y que podía reinventarme mundos como niña para después transmitirlo a otras generaciones.
Lo que aprendí de él es que los Derechos Torcidos de los chicos se pueden “enderezar” desde el hecho artístico respetuoso y convincente, sólo poniendo Manos a la Obra
Lo que aprendí de él es amar a la comedia musical, y mi devoradora y motivadora pasión por el teatro: ese hecho de verdad, con minuciosidad y profesionalismo.
Lo que aprendí de él es entender el juego colectivo y eterno del teatro de la manera más genuina.
  • Lo que me deja hoy es un gran orfandad
  • Lo que me deja hoy son hermosos recuerdos de mi paso por Río Plateado
  • Lo que me deja hoy es su enorme obra, perdurable y vigente como la de María Elena

ETERNAS GRACIAS HUGO MIDON ...

Día Mundial del Teatro Infantil

Carta del Presidente de ASSITEJ Internacional en ocasión del Día Mundial del Teatro para Públicos Jóvenes


El teatro, verdaderamente, es una tradición viva; en todo el mundo. Las artes escénicas han sido parte de la vida cultural durante miles de años. Y durante siglos también los niños y los jóvenes han formado parte de sus públicos. La importancia de ofrecer un acercamiento a las artes teatrales desde la más temprana niñez –y a lo largo de toda la vida- es evidente. El acto de ver teatro es en sí mismo un arte que debe ser aprendido. Escuchar es una práctica que entre más se ejerce, más lleva a la comprensión. El teatro para públicos jóvenes tiene mucho que mostrar, mucho que decir, mucho que comunicar: impresiones y expresiones, actitudes y acciones, experiencias y visiones. En los escenarios se pueden contar historias, pero para que las imágenes y los significados cobren vida se necesita un público que los perciba. ¡En ello hay un milagro! Y por esto, el teatro no nada más y simplemente es parte del patrimonio del mundo, también debería ser reconocido como la octava maravilla del mundo. Y los actores, dramaturgos, directores, músicos, investigadores, educadores, técnicos, diseñadores de escenografía y de vestuario seguirán trabajando para cultivar esta maravilla para las siguientes generaciones. Tiene que ser posible que todos los niños y jóvenes reciban este legado. Por lo tanto, me dirijo a todos ustedes en el Día del Teatro para Públicos Jóvenes con la esperanza de que los políticos, la sociedad civil, los mercados globales y las empresas locales presten especial atención al teatro para niños y jóvenes, que hagan posible que se garantice que todos los años todos los niños de todos los jardines de niños, y todo niño en toda escuela, puedan asistir al teatro al menos un par de veces. Pues el juego del teatro sólo puede jugarse de verdad cuando hay un público con quien jugarlo.

Wolfgang Schneider

Las máscaras venecianas y la Commedia dell'Arte

La historia de la máscara veneciana se inicia en el 1268, año en la que renace la antigua ley que limita el uso inapropiado de la máscara: en este documento quedaba prohibido a los hombres con máscara, los llamados 'mattaccini' (camorristas disfrazados grotescamente con un traje multicolor ajustado al cuerpo y con máscara) con el juego de los 'huevos' que consistía en lanzar huevos rellenos de agua de color rosa contra las damas que paseaban en las calles.

La máscara era el signo de la libertad y de la transgresión a todas las reglas sociales impuestas por la República Veneciana. La máscara era el símbolo de la necesidad de abandonarse al juego, a la intoxicación de la fiesta y de la ilusión de vestirse con ropa de algún otro, la fiesta del Carnaval expresaba, por tanto, varios significados: era la fiesta de la transgresión y de la inmoralidad.

La 'Commedia dell'arte'
Está ampliamente representada en los teatros de Venecia: 'La Fenice', 'Goldoni' 'Groggia', 'Malibran' 'Rossini' es la comedia hecha por actores profesionales pero no es un teatro con un libreto al que los actores tiene que ceñirse, si no que es un teatro de improvisación. Cada actor tiene un repertorio de frases y bromas que intercala y construye en su papel. Las obras se dividen en tres actos, tienen una trama definida y una serie de personasjes arquetipos: 'Cappi, Zanni, Scaramuccia, Pulcinella, Tartaglia, Naso Turco, Ride, Piangi, Bauta, Pantalone, Arlecchino' cada uno con su propia máscara. 

Día de la Commedia dell'Arte

El Día de Commedia dell’Arte es celebrado cada 25 de febrero conespectáculos, conferencias, lecturas, talleres y otros acontecimientos que ocurren en ciudades por todo el mundo.

¿Por qué el 25 de febrero?

Es el "cumpleaños" de la Commedia dell’Arte y del teatro profesional El 25 de febrero de 1545, una compañía bajo el liderazgo del Caballero Maphio firmó el primer contrato de una incorporación teatral en Padua, Italia. El documento, preparado por un notario local, es la documentación existente más antigua en la que actores declaran su trabajo como una industria legítima. La Commedia dell’Arte (que se traduce como "Teatro Profesional") combinó el "negocio" con el "mundo del espectáculo".


¿Quién promueve este acontecimiento?

El día de Commedia dell’Arte es promovido por la asociación cultural europea SAT, reconocido por las Naciones Unidas como la única ONG  dedicada a salvaguardar y promover la tradición de Commedia dell’Arte. El taller más importante del 2011 ocurrirá en Turín y será organizado por el teatro Santibriganti. La Compañía de Teatro Faction of Fools, basada en Washington, DC, es el Coordinador Internacional de esos acontecimientos.

Mensaje para el Día de la Commedia dell'Arte  2011

Cada personaje de la comedia del arte tenía rasgos muy marcados y una ciudad o pueblo de origen muy definido:

  • Arlechino (Arlequín) es un hombre de campo (de Bérgamo) y viste un traje de rombos, lo que pretende ser una versión estilizada de las vestimentas con remiendos. Es el criado de Pantalone o Pantalón, rico comerciante veneciano.
  • Columbina (en español Colombina) también llamada Arlequina, era la criada de la enamorada, y la amante de Arlequín.
  • Il Capitano un soldado fanfarrón, pero cobarde en el fondo.
  • Scaramuccia (o Scaramouche), un espadachín aventurero que substituyó al capitán en versiones posteriores.
  • Il Dottore, de Bologna, la ciudad de más tradicíon universitaria, representa el mundo de la aristocracia y la cultura. También es un glotón y un bebedor, siendo su máscara roja indicativo de ésto último.
  • Pantalone (Pantalón de Bisognosi, Pantalón), rico y mísero comerciante veneciano, padre de Isabela y amo de Arlequín, al que trata déspotamente.
  • Pedrolino (o Pierino, de Vicenza, que dio lugar a Pierrot) es el precursor del payaso listo, con su cara blanca y su sombrero de pico.
  • Pulcinella (o Polichinela), procedente de Nápoles, un jorobado mujeriego y maltratador.

Caben destacar varios personajes más, posteriores a los tradicionales de La Commedia:

  • El médico en tiempo de peste no fue una máscara tradicional del carnaval. En 1630, año de la más terrible peste que azotó a Venecia, los encargados de asistir a los enfermos, se ponían un traje especial inventado en Francia. Un largo ropaje negro, con sombrero de médico y guantes era acompañado por una máscara, con ojos de cristal y una larga nariz rellena de materiales perfumados. En aquella época, representaba lo máximo, en materia de prevención. La máscara del médico en "tiempos de peste", se impuso hace 20 años después del renacimiento del Carnaval de Venecia.
  • La Bauta es una máscara que tuvo su debut hacia finales del 1600. Adoptada sólo por hombres, posteriormente conquistó a las mujeres. La particular forma saliente del rostro permitía modificar el timbre de voz de quien la llevaba. La Bauta no era sólo el rostro sino el disfraz entero.